Gronibard

Avec Gronibard on touche à ce que tout audiophile adepte de Jazz ou de Classique déteste : le Grindcore, et on aborde également tout ce que Caroline De Haas et les féministes de #NousToutes détestent : l’outrance sexuelle et la liberté d’expression. La musique est violente empreinte de références pornographiques pas toujours subtiles au service de titres volontairement vulgaires et grotesques. Intégristes de tous poils et de tous bords, coincés du cul et des oreilles, puritanistes atteints de frigidité précoce, je vous invite à écouter Gronibard, vous rendrez service à votre intellect sclérosé. Vous ne serez pas plus érudit pour autant mais, peut-être que sur un malentendu, l’humour potache, l’autodérision et le 'quarante-douzième' degré des Lillois vous auront déridé les fesses et décongestionné les neurones. Tout ceci n’est que parodie transgressive, et dans le monde tourmenté dans lequel nous vivons aujourd’hui c’est bougrement salvateur. Quand y'en a marre, y'a Gronibard.

Tokyo Tapes

Bien que ses origines remontent à 1965, Scorpions, en cette fin des années 70, n’a pas encore le statut qu’il aura après la sortie de Blackout et plus encore de Love At First Sting. Référence en matière de Hard Rock dans son propre pays depuis le milieu de la décennie et l’arrivée du guitariste Ulrich ‘Uli Jon’ Roth, la formation Hanovrienne commence à peine à émerger en Europe, mais jouit d’un statut de superstar au pays du soleil levant. Profitant de l’accueil bouillant des fans japonais, et marchant dans les pas d’un rituel initié par Deep Purple avec Made In Japan, ils enregistrent Tokyo Tapes, témoignage testamentaire incandescent, sommet d’une première partie de carrière créative. Ulrich Roth quittera le groupe avant la sortie de ce double live, actant par la même la fin d’un cycle et l’ouverture d’une nouvelle ère plus métallique avec l’arrivée de Matthias Jabs en son sein.

Chateau-Chimères

Les groupes français, longtemps, ont été boudés par leurs propres compatriotes. Ce n’est que très récemment que l’on peut percevoir un regain d’attention du public et des médias pour la scène nationale. Le court passage (controversé) d’Ultra Vomit dans les jardins de l’Elysées en 2021, et la prestation de Gojira pour la cérémonie d’ouverture des J.O. 2024, ont permis de mettre un coup de projecteur sur un genre musical tant décrié. Tapi dans l’ombre, Malemort attendait son heure et votre support. Objet musical non identifié, les franciliens proposaient une musique innovante aux sonorités agrégeant tout ce que le Metal peut comporter comme styles. Le manque d’intérêt des promoteurs, malgré un passage remarqué au Hellfest 2018, a malheureusement eu raison de son existance. Château-Chimères, un des tout meilleurs albums de Metal hexagonal, restera l’ultime témoignage d’une formation atypique dont la démarche artistique avait l’audace de s’affranchir des codes en vigueur. R.I.P.

The Birthday Party

No Sleep ‘Til Hammersmith mis à part, nous avons ici un des tout meilleurs live de Motörhead avec Nö Sleep At All. Bien que paru en 1990, l’enregistrement date du 26 Juin 1985, commémorant le dixième anniversaire de la bande à Lemmy. A l’origine sorti en 1986 au format VHS, l’album est malheureusement amputé de Stay clean et, plus incompréhensible, d’Overkill. L’ordre des morceaux se voit également bouleversé. Qu’est ce qui fait de ce live un incontournable ? Tout d’abord c’est le premier qui voit Motörhead se produire sous forme d’un quatuor : Lemmy, Phil Campbell, Michael « Würzel » Burston et Pete Gill (transfuge de Saxon). Ensuite, c'est l’occasion de découvrir Mean machine et Nothing up my sleeve, deux titres du futur Orgasmatron. Enfin, il se dégage de cette prestation une énergie communicative avec un Killed by death dantesque à vous filer la chair de poule. A posséder absolument.

Skull Pit

Mem Von Stein (de son vrai nom Mehmet Zendut) : bassiste chanteur.

Membre fondateur du groupe de Thrash Metal allemand Exumer. 

Domicile : États Unis.

Tatsu Mikami: bassiste.

Membre fondateur du groupe de Doom japonais Church Of Misery. 

Domicile : Japon.

De prime abord, rien ne laissait présager que ces deux-là allaient un jour se rencontrer pour collaborer sur un projet qui n’a rien à voir avec leurs styles respectifs. Pourtant, c’est en échangeant durant des semaines, par internet interposé, qu’ils se découvrent des affinités musicales communes, et donnent naissance à Skull Pit. L'ombre de Motörhead plane sur la plupart des compositions à la production minimaliste. Year of the dog et son fumet bluesy,  The line aux relents Venom, Wolf spirit aux saveurs imprégnées Tank,  ne révolutionnent en rien le genre, mais deux gars qui reprennent All lessons de Rose Tattoo ne peuvent que trouver grâce à mes vieilles oreilles.

Live Without Lars

Live Without Lars est un ‘’bootleg’’ enregistré à Donington pendant la tournée Madly In Anger With The World. Sa particularité ? L’absence de Lars Ulrich, hospitalisé en Allemagne pour cause de grosse fatigue. Les 3 autres musiciens, se refusant d’annuler ce concert en tête d’affiche, proposent à Dave Lombardo et Joey Jordison de prendre la place derrière les fûts. Si Lombardo dynamite Battery et The four horsemen, c’est à Jordison que revient la lourde tâche d’assurer la quasi-totalité de la prestation. Celui qui a commencé sa carrière en jouant dans un ''tribute band'' dédié à Metallica, brille de mille feux en atomisant Creeping Death et le reste du répertoire, composé, ce soir-là, uniquement de titres antérieurs à Load. Flemming Larsen, technicien batterie de Lars, se chargera de Fade to black. Limité à 500 copies, avec un son acceptable, Live Without Lars est un témoignage indispensable pour tout fan de Metallica.

Titres recommandés:

   Battery (avec Dave Lombardo)
   Creeping death (avec Joey Jordison)
   Fade o black (avec Flemming Larsen)

Burning On The Wings Of Desire

Si l'on se fie aux critiques artistiques compétents et aux journalistes spécialisés, c’est Black Sabbath qui a donné naissance au Heavy Metal le vendredi 13 février en l'an de grâce 1970. Depuis, le style n’a cessé d’évoluer, ingérant divers courants musicaux regroupés aujourd’hui sous la bannière Metal : fin 90 début 2000 on parle de Nu Metal, début 2010 on le cuisine à la sauce core (Metalcore, Deathcore), Djent, Blackgaze ou Progressif. Blood Of The Sun, formé en 2002 par des musiciens appartenant à diverses formations, fait alors figure d'extra-terrestre. Lorgnant vers des compositions fortement connotées Deep Purple, Rainbow ou Uriah Heep, sans en atteindre la magie, les texans proposent une musique à contre-courant des modes établies. Burning On The Wings Of Desire perpétue un style que l'on peut qualifier de retour aux sources du Metal pour certains, ou de ringardise musicale pour les incultes. Il n’empêche, l’album est plutôt sympathique.

Burning The Witches

En 1984, nombreux sont ceux qui pensent que le Hard Rock ou le Heavy Metal est obligatoirement une affaire de testostérone. Même si dans la seconde moitié des seventies The Runaways commencent à inverser la tendance, la gent féminine est peu représentée dans un univers aux mentalités et clichés machistes. Quelques groupes arrivent heureusement à tirer leur épingle du jeu. En angleterre Girlschool assure sa crédibilité en assumant les premières parties de Motörhead, et Rock Goddess pointe le bout de son nez. A Düsseldorf, Warlock nous impose sa chanteuse Dorothée Pesch, qui deviendra au fil du temps, une icône incontestée et incontestable du Heavy teuton. A la croisée des chemins entre Accept et la NWOBHM, Burning The Witches souffre certes aujourd’hui d’une production faiblarde et de la naïveté inhérente à un premier album, mais je prends toujours autant de plaisir à l’écouter. Efficace et sans fioriture : Deutsche qualität !!! 

 

Get In Line

Au milieu des années 80, émerge un courant musical essentiellement américain, mélangeant le gros son du Heavy avec des styles aussi divers que le Rap, le Funk ou le Reggae. C’est la naissance du Metal Fusion. En 1991, alors que les Red Hot Chili Peppers et Rage Against The Machine cartonnent un peu partout dans le monde, Atom Seed, quatuor Londonien, essaie de se frotter au style en sortant Get In Line. Avec une rythmique portée essentiellement sur le funk, une production rêche mais claire, cet enregistrement restera l’unique témoignage (hormis quelques EP) d’un groupe né du mauvais côté de l’océan. Morceaux à écouter en priorité : le très funky Rebel, l’entêtant Shot down et son final basse/batterie, l’incontournable Better day, ballade au solo de guitare magique et tout en émotion. Si vous avez quelque chose entre les oreilles, que vous n’êtes pas allergique au chant façon Rap, jetez-vous sur ce disque.

Caivano

Les premières traces musicales de Phil Caivano remontent à 1990 avec Blitzspeer. La formation New Yorkaise sortira 2 albums honorables avant de disparaitre. Compositeur multi instrumentiste et producteur, Phil participe à différents projets avec, entre autres, Murphy’s Law, Hatebreed, Agnostic Front ou les filles de L7. En 1998 il rejoint Monster Magnet qu’il quittera en 2005 pour mieux revenir trois ans plus tard. Apres vingt-deux ans de bons et loyaux services aux cotés de Dave Wyndorf, il s’octroie une petite escapade solo. Épaulé à la batterie par son comparse Bob Pantella (Monster Magnet, The Atomic Bitchwax), il cumule les postes de bassiste et de chanteur en plus de s'occuper de la guitare et de la production. Le résultat ? Dix titres d’un bon Hard Rock vintage et direct flirtant avec Hawkwind, Motörhead et… Monster Magnet.

It's Alive

Ils ont vu le jour à New York en 1974, et sont considérés comme étant le premier groupe de Punk Rock. Lemmy a écrit une chanson pour leur rendre hommage et Motörhead a repris Rockaway beach. Leur influence dépasse largement le cadre du Hard Rock ou du Heavy Metal, puisque même U2 écrira The miracle (of Joey Ramone) en hommage à Jeffrey Ross Hyman, chanteur des Ramones. It’s Alive, enregistré au Rainbow Theater de Londres, capture l’énergie brute communicative d’un groupe à son apogée. On est loin des standards du moment. La musique est minimaliste, rapide, exempte de solo. Les morceaux n’excèdent pas les 3 minutes, aux antipodes des longues improvisations ennuyeuses d’un Led Zeppelin ou d’un Deep Purple. Les 28 titres s’enchainent à une vitesse incroyable sous l’impulsion du batteur Tommy Ramone, et la précision métronomique de Johnny Ramone (guitare). C’est simple, efficace et jovial. Hey! Ho! Let’s go!

Graveyard Classics

Figure emblématique du Death Metal, Chris Barnes fait office d’éminence en matière de growl caverneux (chant guttural). Membre fondateur de Cannibal Corpse (1988 à 1995), il demeure le seul membre permanent de Six Feet Under, projet qui a vu passer Allen West (Obituary) et Terry Butler (Massacre et Death). Après trois disques studio, les floridiens s’accordent un intermède récréatif, et enregistrent un album de reprises. Graveyard Classics exhume des titres plus ou moins connus, couvrant une période allant des années 60 (Stepping stone) au milieu des années 80. Les puristes indécrottables crieront au sacrilège et au blasphème en découvrant T.N.T ou Smoke on the water, passés au hachoir Death Metal. D’autres apprécieront la relecture de Son of a bitch, Blackout (avec la participation de John Bush), Purple haze ou In league with satan. Le chant monolithique de Barnes peut s’avérer lassant sur la durée, mais l’ensemble reste sympathique et rigolo.

The Art Of Dying

Petits protégés de Kirk Hammet qui a produit leur démo Kill As One, présentés comme des surdoués précoces lorsqu’ils ont sorti The Ultra-Violence (1987), les californiens n’auront pas embrassé le succès qu’ils méritaient. Quatorze ans après un accident de bus qui a mis à mal leur ascension au firmament du Thrash Metal, Death Angel nous revient avec The Art Of Dying. C’est la quasi-totalité de la formation d’origine (seul le guitariste Gus Pepa manquant à l’appel) qui enregistre ce quatrième album studio, reprenant l’histoire là où elle s’était brutalement interrompue avec Act III. Synthèse de toutes leurs influences, varié dans les tempi, The Art Of Dying est construit comme une invitation au voyage. De l’énergique Thrown to the wolves en ouverture, à l’audacieux Word to the wise en clôture, Rob Cavestany démontre qu’il est un guitariste incroyable, sachant conjuguer technique et feeling, et Marc Osegueda un fabuleux chanteur de Thrash.

Mirror

Chypre est bien plus connue des milliardaires pour ses avantages fiscaux, et des touristes, pour ses plages dorées et ses randonnées pleine nature, que pour ses groupes de Metal. Pourtant, ‘’L’Île de l’Amour’’ (*) héberge Mirror, formation aux racines encrées dans le Heavy des années 80, affiliée à ce que les spécialistes éclairés appellent la New Wave Of True Heavy Metal. La structure des morceaux alambiquée et les duels de six cordes à la Hank Shermann/Michael Denner, les cavalcades de guitare basse à la Steve Harris (Galleon, Elysian), placent Mirror au carrefour de Mercyful Fate et d’un Iron Maiden première époque. L’ensemble n’est pas vraiment original, (Madness and magik lorgne vers Black Sabbath avec son riff pompé sur Country girl) mais les titres proposés sont de qualités. Un album sympathique pour amateur de Heavy traditionnel comme moi.

(*) Chypre est aussi appelé ainsi en hommage à la déesse grecque Aphrodite.

Live Killers

En 1985, le concert du Live Aid propulse Queen au rang de plus ‘’grand groupe du monde’’, en en faisant par la même, une icône planétaire de la pop culture. Pourtant, il ne faudrait pas oublier que les londoniens ont eu des débuts difficiles. Live Killers, premier enregistrement public et passage obligatoire pour tout groupe de rock qui se respecte, ne sortira qu’après la parution de sept albums studio.  Les brûlots We will rock you (version rapide) et Tie your mother down y côtoient des titres plus progressifs comme Brighton rock (pénible à écouter de par la longueur du solo de Brian May) ou Death on two legs, sans oublier les incontournables Bohemian rhapsody et We are the champions. Critiquable sur bien des aspects, sans être indispensable, Live Killers reste le témoignage d’une formation de Hard Rock caméléon au sommet de son art, avant qu’elle ne prenne un virage Pop/Funk/Disco/Dance.

Restless And Wild

1982 c’est l’année où l’Allemagne nous offre, avec deux de ses représentants les plus emblématiques, deux albums essentiels : Blackout (Scorpions) et Restless And Wild. Si Scorpions est déjà bien établi sur la scène internationale, Accept commence à tutoyer le succès avec Breaker (1981) et la tournée qui s’en suivit, assurant la première partie de Judas Priest. Avec ce quatrième opus, Udo Dirckschneider et consort rentrent de plein pied dans l’histoire du Heavy Metal. Passé l’intro qui fit polémique en son temps (*), Fast as a shark ouvre le bal sur un tempo frénétique et Princess of the dawn le clôture avec brio. Entre ces deux chefs d’œuvre, des titres efficaces, Restless and wild, Ahead of the pack, Flash rockin man, côtoient des morceaux plus dispensables (Get ready, Demon’s night), mais qu’importe. Accept marque définitivement l’histoire.

(*) Ein Heller und ein Batzen est une vieille chanson du folklore populaire allemand.

Pochette alternative

Made In Japan

A la fin des années 60 et au début des 70, trois formations britanniques s’accaparent l’attention des fans de rock lourd : Led Zeppelin, Black Sabbath et Deep Purple. En l’an de grâce 1972, le ‘’Pourpre Profond’’ domine de la tête et des épaules ses deux rivaux, sortant coup sur coup deux albums de légende : Machine Head et Made In Japan. Ce dernier reste l’un des meilleurs enregistrements en public de l’histoire du rock, garantie sans retouche. Ritchie Blackmore y excelle de virtuosité et de précision. Child in time, et le duel mémorable guitare/voix de Strange kind of women mettent en exergue un Ian Gillan au sommet de son art. Ian Paice y va de son petit solo de batterie, et Jon Lord martyrise comme jamais son orgue Hammond sur Space Truckin. Le succès phénoménal de Made In Japan, lancera la grande mode des ‘’double live’’ enregistrés au Japon.

Pochette alternative (originale de l'édition de 1972)

Junk

Blue Cheer ne parle peut-être plus à grand monde, pourtant le trio est à l'origine de ce que l'on appelle communément (péjorativement ?) Metal. Catalogué groupe le plus bruyant de la planète en son temps, il se démarque de ses contemporains, drainant une réputation de bagarreur par opposition au mouvement ‘’Flower power’’ et son discours ‘’Peace and love’’. Porté par les Hells Angels, incarnant un côté ‘’bad boys’’, Blue Cheer pratiquait un Blues suramplifié, violent dans l’attitude, et vocalement agressif. Junk est l’œuvre posthume d’une formation dont le fondateur, Dickie Peterson, nous a quitté en Octobre 2009. Easy rider, unique inédit, ouvre une compilation de reprises, honorant Grand Funk Railroad, The Doors, Jimi Hendrix, Janis Joplin et The Rolling Stones. Une version demo de No relief (2007) et Summertime blues, enregistré lors de leur dernier concert, clôturent cet hommage dont le point d’orgue est un Sympathy for the devil d’enthologie.

 

Good God Baad Man

Il aura fallu huit ans d’attente avant que Woody Weatherman et Pepper Keenan nous gratifient de ce Good God/Baad Man. Doté d’une production ‘’vintage’’, qui sied parfaitement au style, Corrosion Of Conformity passe en revue toutes les facettes de ses influences, allant du Hardcore de ses origines, au Rock Sudiste et au Heavy Metal. Le riff de Gimme some moore n’est pas sans rappeler Fuel (Metallica), tandis que l’ombre de Black Sabbath plane sur Run for your life, et celle de Soundgarden sur Lose yourself. L’ensemble est magnifié par le travail ‘’groovy‘’ et tout en finesse de Stanton Moore, dont le jeu de batterie est particulièrement mis en avant. On voyage de Lynyrd Skynyrd (Baad man), à Led Zeppelin (Mandra sonos) ou ZZ Top (Handcuff county), pour finir avec une touche Gospel sur Forever amplified. Good God/Baad Man meilleur album de cette première moitié de 2026? Je le pense!

... And You?

26 mars 2026 : Another one bites the dust (*). Le Temps poursuit son œuvre, inexorablement, effaçant petit à petit toutes ces figures, célèbres ou plus obscures, qui ont rythmé notre passage ici-bas. Ross ‘’The Boss’’ Friedman, guitariste et membre fondateur de Manowar, vient de nous quitter. Il serait injuste de cantonner sa carrière à celle de simple bretteur du quartette New Yorkais. Pionnier du punk américain avec The Dictators, il participera à d’autres projets, dont Shakin Street. En 1989, il retourne à ses premiers amours, rejoignant ses anciens comparses punks pour enregistrer …And You? , unique témoignage discographique de Manitoba’s Wild Kingdom. The party starts now annonce la couleur d’un Rock qualifié de High Energy. Epaulé par Handsome Dick Manitoba (Richard Blum), pendant punk de Dee Snider, Ross nous gratifie de quelques fulgurances, aux antipodes du True Metal prôné par Manowar. R.I.P.

(*) Encore un qui mord la poussière.

Permission To Land

Tel un ‘’O.M.N.I.‘‘ (*) traversant la galaxie Néo Metal et la nébuleuse Metalcore des années 2000, Permission To Land atterri au milieu de nulle part, sans crier gare. Fondé par les frères Hawkins, The Darkness distille un Hard Rock jovial et sautillant qui contraste allègrement avec l’ambiance introspective et dépressive initiée par le Grunge, véhiculée ensuite par des formations comme Korn ou Slipknot. Anachronique de par sa musique et son image kitsch, le quatuor est la synthèse d’un AC/DC croisant le fer avec Queen. La qualité des compositions met tout le monde d’accord. Le succès fulgurant, propulse les Anglais sur le devant de la scène internationale. The Darkness remet le sens de la fête et le Hard Rock/Glam au gout du jour avec un talent certain, sans se prendre au sérieux, mais, foudroyé par cette soudaine notoriété, la chute fut tout aussi brutale.

(*) OMNI = Objet Musical Non Identifié.

Are You Experienced

En 1966, la carrière de James Marshall Hendrix est en pleine ascension. Le jeune guitariste noir débarque à Londres sous l’égide de Chas Chandler et enregistre Are You Experienced. Mélangeant rock dur, Blues et psychédélisme, le gaucher à la stratocaster révolutionne à jamais l’histoire du Rock. Si, aujourd’hui, son influence est moins revendiquée par la jeune génération de musiciens, son impact reste présent dans le Metal des années 80/90. Coroner, Six Feet Under, Ministry (et bien d’autres), reprendront Puple haze. Kirk Hammet, adepte de la Wah-Wah popularisée par Jimi, s’amuse parfois à jouer quelques notes de Third stone from the sun ou Red house comme intermède solo lors des concerts de Metallica. Yngwie Malmsteen, Steve Vai et Joe Satriani s’attaqueront à Foxy Lady. Au début des années 2000, à contre-courant des tendances musicales, Radio Moscow et son Stoner psychédélique, perpétue l’héritage du Voodoo Chile. Le Hard Rock commence ici !

Pochette alternative de la réédition de 1997

None Shall Defy

Derrière la naïveté d’une pochette, dont le monstre ferait rigoler un gamin de 4 ans, et un look faisant penser à un groupe de Glam qui aurait copulé avec Kerry King un soir de pleine lune, se cache une formation à l'imagerie sataniste dont la musique est tournée vers l’ocultisme. Sorti en 1987, None Shall Defy est à la croisée des chemins d'un Thrash Metal en pleine mutation, et les balbutiements du Death Metal. Quand Anthrax se la joue ‘’fun’’ façon skateboard/bermuda à fleurs et Slayer essaie de battre le mur du son en ‘’riffant’’ toujours plus vite, Infernal Majesty, originaire de Toronto, préfère les ambiances alambiquées et malsaines, propres aux films d'épouvante (Night of the living dead). Malgré une production en demi-teinte mais proposant des morceaux aux tempi variés (None shall defy), agrémentée de passages techniques et mélodiques (R.I.P.), ce disque fait partie des trésors oubliés du Thrash Metal.

Titres recommandés:

   S.O.S.
   None shall defy
   Skeletons in the closet

Eat 'Em And Smile

Guerres d’égo, divergences artistiques, en 1985 rien ne va plus chez Van Halen. Le divorce est prononcé entre David Lee Roth et une formation au sommet de sa gloire (succès interplanétaire de l’album 1984). L’emblématique chanteur, fort de l’accueil triomphal de Crazy From The Eat (et la reprise de Just a gigolo), recrute des musiciens quasi inconnus du grand public : Billy Sheehan, bassiste de Talas, Steve Vai, ex guitariste de Frank Zappa, Gregg Bissonette, batteur de studio. Tout ce beau monde enregistre Eat ‘Em And Smile, un incontournable du Big Rock U.S. Vai éclabousse de son talent Yankee rose et Tobacco road, et Sheehan prouve qu’il n’a rien à envier à son compère six-cordiste (Shy boy, Elephant gun). L’énergie, l’humour, le côté festif, si chers à 'Diamond Dave', alliés à la virtuosité des intervenants, Eat ‘Em And Smile surclasse allègrement le 5150 de Van Halen. Pari osé, pari gagné!